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A l'évocation du style Art Nouveau, des lignes bizarrement courbes, l'absence d'angles droits et un entrelacement fantasque de tiges, de feuilles, de fleurs et de fruits, ravivés par les insectes, apparaissent en mémoire. Tous ces éléments sont caractéristiques du mouvement floral de l'Art nouveau, familier à nous comme l'Art nouveau. Le style est basé sur le rejet de l'art cérémoniel traditionnel et une tentative d'apporter la beauté de la nature, de nouvelles formes et technologies de production dans la vie quotidienne, faisant de tout objet une œuvre d'art. Les fondateurs du style ont proclamé l'unité de l'homme et de son environnement, y compris l'intérieur, l'architecture, l'art.

Le style Art Nouveau, contrairement aux autres, est clairement limité par le temps: la fin des années 1880-1914. Ses traits distinctifs sont:

• des lignes lisses et curieusement courbes (dont l'un des traits caractéristiques est appelé "coup de fouet") et des surfaces courbes,
• en sourdine, proche des couleurs naturelles: bleu, blanc, beige, olive, gris argenté, violet pâle;
• éclairage tamisé, atténué par des lampes en verre coloré et des vitraux;
• l'utilisation de matériaux naturels et leurs combinaisons: verre, pierre, céramique, bois, métal, tissus;
• le thème principal du décor est la nature: paysages, motifs végétaux et floraux, insectes et oiseaux.

À l'ère moderne, le symbolisme se voit attribuer un rôle particulier. Chaque dessin n'est pas seulement une image, mais aussi la pensée de l'artiste, exprimée à travers les symboles, les couleurs et la composition. Les images de fleurs et de plantes portent leur charge sémantique: l'orchidée symbolise la splendeur, le luxe et l'amour, la fougère - paix et tranquillité, la rose - la beauté de la vie, le lys - pureté et pureté, hortensia - modestie et sincérité, iris - lumière et espoir, clématite - tendresse, chardon - courage et courage. Le bourgeon, symbole de la naissance de la vie, devient l'un des éléments les plus répandus du dessin dans l'Art nouveau.

L'image d'un coquelicot est souvent trouvée, dénotant la transition entre le sommeil et la réalité, la vie et la mort. Les fleurs individuelles sont préférées aux bouquets qui étaient si populaires au cours des siècles précédents. Il existe une mode pour les produits qui imitent une fleur dans un verre d'eau.

L'ornement gagne en popularité en raison de l'image assez reconnaissable mais conditionnelle des plantes. Les plantes aquatiques stylisées avec de longues tiges et des feuilles étroites - nénuphars, nénuphars, roseaux - vous permettent de créer l'ambiance d'un flux de vie calme. Les courbes des contours soulignent la dynamique - la croissance et le mouvement des plantes. Les contours bizarres de la fleur, contrastant avec la linéarité des feuilles et des tiges, soulignent leur beauté et leur luxe - iris, orchidées, cyclamens, chrysanthèmes, roses, etc. L'Iris devient l'emblème de l'Art nouveau. Ils utilisent souvent des images de fleurs de la forêt - muguets, kupavka, pissenlits, chardons, bleuets, en se concentrant sur le charme de la simplicité et de la vie quotidienne.

La norme de l'Art nouveau était un dessin d'Herman Obrist (1895), qui représente un cyclamen avec une tige courbée ornée. Le contour caractéristique du virage a même reçu son propre nom - "le coup de fouet" - et a ensuite été activement utilisé par les artistes.

Le mouvement floral de l'Art Nouveau - Art Nouveau - s'est formé en France, ses principaux centres étaient Paris et Nancy. Paris était le leader de l'architecture, Nancy - dans les arts et l'artisanat (en particulier dans la production de meubles et de verre). Selon les canons du style, l'art doit entourer une personne toujours et partout, chaque objet doit être unique en même temps. Ces commandements ont été suivis par les maîtres de l'Art nouveau, qui ont jeté les bases de la diffusion du nouveau style.

L'un de ces maîtres était le célèbre architecte Emile Guimard. Jusqu'à présent, Parisiens et touristes admiraient la sophistication et la brièveté du design des entrées du métro parisien, créé selon ses projets. Il a réussi à donner aux structures métalliques la forme de plantes vivantes. De telles œuvres, «animées» par la forme naturelle, sont appelées organogéniques.

Les maisons construites selon les plans de Guimard à Paris et de Schechtel en Russie peuvent servir d'exemples d'architecture Art nouveau. Les expositions internationales parisiennes, qui jouissaient d'une immense popularité et d'un immense prestige, ont joué un rôle important dans la promotion du style. Le nombre de visiteurs aux expositions parisiennes a atteint 51 millions de personnes. L'une des maisons de Guimard - l'hôtel Béranger - devient le sujet de l'exposition internationale de 1898 à Paris.

Et le pavillon d'exposition de la Bosnie-Herzégovine en 1900 a été conçu par un autre maître de l'Art nouveau - Alphonse Mucha, dont les affiches théâtrales avec des figures féminines dans des vêtements fluides et des ornements floraux sont devenues le canon du style.

Le but de l'Art Nouveau est de créer un cadre de vie confortable et beau. C'est pourquoi la conception complexe des bâtiments du même style est en vogue - du toit au dernier clou. L'architecte conçoit le bâtiment «de l'intérieur vers l'extérieur», en façonnant d'abord l'intérieur et ensuite seulement en passant à la conception de la façade du bâtiment, qui devient souvent asymétrique.

L'architecture et l'intérieur sont interconnectés et unis par une expression de style commune. Les panneaux de mosaïque en céramique sont l'une des caractéristiques des bâtiments Art nouveau. C'est ainsi que les frises des maisons sont souvent décorées. Un style unifié de décoration intérieure conduit à la création d'ensembles uniques, comprenant des plafonds, des lampes, des panneaux muraux, des ensembles de meubles et des parquets.

Dans certains cas, les artistes, créant un cadre de vie harmonieux, développent complètement non seulement l'intérieur, mais même les vêtements de maison des propriétaires. Sur cette vague apparaissent des personnalités de premier plan, soumises à tout: de la cathédrale de la Sagrada Familia à l'ornement du banc, du palais au verrou de la fenêtre..

Les meubles de cette période se caractérisent par un grand nombre de plates-formes diverses - étagères, tables et autres - pour placer des éléments décoratifs. Mais l'Art nouveau trouve son expression maximale dans les arts et l'artisanat. L'idée de croissance et de développement - clé dans la philosophie de l'Art nouveau - fait des plantes le motif de décoration le plus pratique et le plus expressif. L'Art nouveau ne vise pas une image tridimensionnelle, donnant la préférence à des motifs plats bizarres, ce qui est facilité par la conventionalité acceptée de la représentation des plantes.

Le verre devient l'un des éléments décoratifs les plus appréciés. Dans ce domaine, le français Emile Galle et l'américain Louis Comfort Tiffany ont réussi et sont devenus célèbres. La technique du vitrail de Tiffany a acquis une popularité particulière. La technologie d'assemblage de pièces de verre coloré à l'aide d'une feuille de cuivre a permis de créer des produits brillants et exquis. Les œuvres uniques de Lalique et Fabergé ont laissé une empreinte indélébile sur l'art joaillier de cette période. Les œufs de Pâques Faberge "Trèfle" et "Muguet", qui ravissent invariablement le public, sont un exemple frappant de la tendance florale de l'Art Nouveau. La surface entière de l'œuf de trèfle est un ornement continu de feuilles de trèfle.

Emile Halle (1846-1904) était à la pointe de l'Art nouveau. Il a complété la formation professionnelle d'un designer par une connaissance approfondie de la philosophie et de la poésie du symbolisme, de la botanique et de la biologie. Plus tard, cette connaissance sera incarnée dans ses œuvres par des détails de l'image des plantes et une compréhension philosophique de la nature. La connaissance de la poésie du symbolisme lui permettra non seulement de ressentir subtilement, mais aussi de tisser les lignes de ses poètes préférés - C.Baudelaire, S.Malarmé, P. Verlaine, F.Villon - dans ses produits, ce qui lui a valu une renommée. en tant qu'auteur du "verre parlant".

Galle a été porté au sommet de sa gloire par ses vases en verre feuilleté. À l'Exposition internationale de Paris en 1898, ses œuvres ont reçu la médaille d'or de l'exposition et leur auteur a reçu l'Ordre de la Légion d'honneur.

Dans les dessins et ornements de ses œuvres, il y a souvent des images de parapluie, d'orchidées sauvages, de levkoi, de liseron, de sorbier et de feuilles de cassis, ainsi que des motifs orientaux avec des branches et des cônes de pin, des sakura, des oiseaux et des poissons.

Dans les vases Galle, il y a de 2 à 5 couches de verre coloré (généralement trois), créant différentes nuances.La pièce multicouche a été gravée, à la suite de quoi un motif translucide volumétrique est apparu, comme sur les camées, qui a été perfectionné par gravure. Cette technique du "verre camée", qui a rendu Galle célèbre, a été développée à partir de l'ancienne technologie chinoise du verre feuilleté sculpté. Les vases Halle sont toujours lourds, avec un disque poli au fond, vous permettant de voir la structure multicouche du produit. Les œuvres de Galle regorgent de paysages romantiques et d'ornements de fleurs, de fruits, d'herbes et d'insectes, créant ensemble un motif unique, dans lequel la signature de l'auteur est organiquement tissée.

En 1900, Emile Halle avait atteint le sommet de sa renommée. Pas une seule maison qui se respecte, quel que soit son niveau de richesse, ne pourrait se passer de ses produits. Halle a divisé les produits de son usine en trois catégories: en série, produits en circulation industrielle, à petite échelle ou "semi-luxueux" (demi-riche), comme on l'appelait, produits en petits lots, et exclusifs (Pieces uniques - uniques produits) ou "luxueux", fabriqué par lui-même par Galle lui-même en un seul exemplaire, comme un vase avec un dragon.

La première reine roumaine Elizabeth était une fan et patronne de Galle, qui a ouvert une succursale de son usine en Roumanie. Des vases uniques donnés personnellement par l'auteur (tels que Edelweiss, Honey Cup, Paradise Muse, Moonlight) ont jeté les bases de la collection de la maison royale roumaine.

Une excellente collection d'œuvres de Galle est conservée dans le bâtiment de l'état-major général de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg. Nicolas II et Alexandra Feodorovna étaient également fascinés par le travail de Halle en 1896-1900. Les chambres de l'impératrice étaient décorées de ses produits. On sait qu'elle a spécialement choisi son bureau pour y placer un vase avec des clématites, et Nicolas II a reçu une paire de vases avec des orchidées roses en cadeau de Lorraine. Certains produits de Galle, sur ordre d'Alexandra Feodorovna, ont été sertis en argent par Faberge.

Les vases Galle exposés à l'Exposition universelle de Paris de 1900 ont été acquis par le baron A.L. Stieglitz, dont la collection après la révolution a augmenté les trésors de l'Ermitage.

L'électricité, nouveauté de la fin du XIXe siècle, a donné une impulsion au nouveau travail de Halle - les premiers abat-jour et douilles en verre. Réalisés dans la technique de la marqueterie ou du camée, rétroéclairés de l'intérieur et donnant une lumière tamisée, ils ont fait sensation sur le marché. De nombreux modèles de lampes de table ont été créés par Halle en collaboration avec Louis Majorelle, qui réalisait des cadres artistiques pour le verre.

En 1901, à l'initiative de Halle, est créée l'Alliance Provinciale des Industries d'Art, qui fédère de petits ateliers locaux produisant des produits d'arts décoratifs et appliqués, et donne une impulsion au développement de l'industrie artistique de toute la région.

Plus tard, l'Alliance sera nommée Ecole de Nancy (L'Ecole de Nancy), du nom de l'école d'art du design, créée au sein de l'Alliance et qui existe depuis plus de 10 ans. Au fil du temps, le nom "Ecole de Nancy" s'est associé au centre de production des produits Art Nouveau. L'emblème de l'école était la croix et le chardon de Lorraine, symbolisant l'endurance.

La grande variété d'œuvres d'art de grande qualité produites par les membres de l'Alliance a valu à l'École la renommée lors d'expositions internationales et une reconnaissance publique en Allemagne, en Grande-Bretagne, en Belgique, en Italie, en Amérique et en Russie.

Le succès de Halle était contagieux. Son exemple a été suivi par les frères Dom, membres de l'Alliance, dont la verrerie Daum Freres & Cie. Verreries de Nancy »est toujours florissante. En 1889, ils ont commencé la production industrielle de vases avec des dessins végétaux. Leurs produits se distinguent par une image plus naturaliste. La liste des techniques de traitement était pratiquement la même que celle de Halle, la production de masse ne manquait que de la sophistication des nuances et des débordements de couleur. Les vases et lampes en verre Cameo étaient les plus populaires de toute leur gamme de produits.

Ayant gagné en popularité avec l'aide du verre camée, Galle ne pouvait pas rester à l'écart de la création de meubles. En raison de la complexité du traitement, il a été créé uniquement comme unique ou "semi-luxueux", selon la gradation de Galle lui-même. Les meubles étaient faits de bois de rose, de chêne, d'érable, de noyer, d'espèces de fruits - pomme, poire. Le maître a privilégié les essences locales poussant en Lorraine. Des incrustations en relief avec différents types de bois et le traitement manuel obligatoire des détails distinguaient ses produits. Pour la décoration, Galle a utilisé des motifs naturels, des papillons et des libellules. Selon lui, «Le décor du mobilier moderne, étroitement associé à la nature, ne peut rester insensible à la noblesse des formes naturelles».

En plus des incrustations, de nombreux éléments sculptés apparaissent dans ses œuvres. La forme devient souvent asymétrique et les pattes des objets prennent pour la première fois la forme de libellules ou de pattes de grenouilles, ou sont décorées d'ornements floraux.

1909 est la dernière année où les œuvres des membres de l'École de Nancy sont exposées ensemble. L'Art nouveau, avec ses pièces sophistiquées et coûteuses qui recherchaient l'exclusivité, a cédé la place à un style Art déco plus économiquement viable avec la production en série d'œuvres d'art bon marché.

En 1964, le musée de l'école de Nancy est ouvert. La plupart des expositions du musée sont des exemples de meubles uniques, de vitraux et de verres Art Nouveau. Le jardin du musée est orné d'une porte en chêne de l'atelier Galle, réalisée en 1897 par l'ébéniste Eugène Wallen. Il est décoré de feuilles de châtaignier sculptées et de la devise d'Emile Galle "Mes racines sont au fond de la forêt", qui reflète l'ensemble de son travail.

A la fin des années 1990, l'Ecole reprend son existence et 1999 est déclarée année de l'Ecole de Nancy. En 2013, l'exposition «Emile Galle. Glass Rhapsody », où l'on pouvait se familiariser avec l'œuvre de Galle.

Au fil du temps, la tendance florale de l'Art nouveau, porteuse des idées de renouveau et de beauté dans la vie quotidienne, a commencé à être associée à l'Art nouveau en général. L'image stylisée des fleurs et les lignes bizarrement courbes nous ramènent à chaque fois à l'ère de l'âge d'argent, nous donnant la joie de communiquer avec la nature et l'art.